Todo mundo sabe dançar (por Ana Cecilia Reis)

                                                                 

E aqueles que foram vistos dançando foram julgados insanos por aqueles que não podiam escutar a música.

Nietzsche

Para algumas pessoas, ainda pode soar estranho que se possa fazer “teatro-dança” com atores que nunca foram dançarinos. No geral, as pessoas imaginam que para se conseguir qualidade no trabalho de dança é necessário ter um corpo tecnicamente preparado com os conceitos básicos das danças clássicas, ser magro e alongado, trabalhar incansavelmente conceitos de equilíbrio, salto, giro, etc. Claro que os fundamentos da dança são muito importantes, mas o ato de dançar verdadeiramente pode se dar sem eles, e pode ser muito belo.

Quando crianças, simplesmente ouvimos uma música e mexemos nosso corpo de acordo com os impulsos que o ritmo nos traz. Com o passar do tempo, aprendemos a chamada “coreografia” de algumas bandas, e o virtuosismo está em conseguirmos fazer “igual”. Algumas crianças conseguem pegar a coreografia mais rápido que outras, ou se mexem dentro de um padrão que é considerado “dançar bem”. Então a dança começa a ficar restrita a quem “dança bem”, a quem “leva jeito”. Na adolescência, o “correto” para as meninas dançarem na boate é em grupo e iguais (geralmente de forma discreta), e para "pegar mulher” os meninos precisam aprender a dançar a dois alguns ritmos como forró, salsa, dança de salão, entre outros. A dança começa a perder sua relação com o prazer, com a liberação de um impulso ou com o ritual e cada vez mais se relaciona a convenções sociais. Podemos pensar que hoje em dia isso mudou, mas volta e meia encontramos algum vídeo viral de alguém dançando de forma “ridícula”, ( por estar fora do padrão) em algum evento social, geralmente por estar embriagado ou sob efeito de drogas sintéticas (que de certa forma liberam o Id, dão uma calada no Superego e fazem emergir os impulsos mais primitivos, ignorando os julgamentos alheios).

 Nos trabalhos da Cia Plúmbea, gosto de trabalhar com dois conceitos diferentes (que pretendo estudar em um futuro mestrado): o quanto um trabalho estritamente técnico e regrado (tais como equilíbrio, alongamento, aquecimento, impulso, partes do corpo em evidencia, tensão, etc) podem gerar um improviso orgânico e libertador, e o inverso: o quanto o improviso livre a fim de descobrir seus impulsos pessoais pode gerar uma técnica partiturada, a partir da análise desse movimento espontâneo.

Especificamente nos exercícios da montagem de "Terrabatida", percebo que quando trabalho com atores que possuem resistência para dançar, eles se sentem mais à vontade quando coloco alguma regra, como por exemplo, “deixar suas mãos te guiarem” ou “o movimento parte do quadril”. Dessa maneira, o foco na regra libera o fluir de outras partes que normalmente não estariam envolvidas nesse dançar por causa de uma possível timidez, um bloqueio de auto-julgamento.

Inclusive isso também funciona comigo, que muitas vezes danço em cena e não sou formada em dança. A questão de me dirigir em cena, e propor os exercícios para mim mesma é um desafio bem grande, e costumo trabalhar com a câmera para avaliar resultados. Mas isso já é papo para outro texto. O que eu acho importante deixar claro, não é um discurso anti-técnica na dança, mas, sobretudo um entendimento que dançar passa por muitas camadas. Dançar não é somente saber fazer um passo de forma grandiosa e perfeita. Acredito que dançar é antes de tudo é uma abertura sensível para si mesmo e para o mundo, deixar com que a energia interna que te atravessa seja externalizada. Claro que os exercícios técnicos são importantes para gerar estímulos, memória corporal e resistência, também são riquezas culturais e presentes na maioria das danças,  mas cada um de nós já possui uma vivência pessoal de movimentos únicos, que quando deixamos aflorar verdadeiramente, se tornam muito belos.

Também podemos aprofundar a discussão e pensar em "danças" e não somente na "Dança".

Um processo de dança intrigante é o Butoh, mas isso também é assunto para um próximo texto.

Até mais!

=)

                

Na foto: apresentação do espetáculo "Rayuela" com Ana Cecilia Reis e Paulo Barbeto 

Estudos: Grotowski*

"O contato é uma das coisas mais essenciais. Muitas vezes, quando um ator fala de contato, ou pensa em contato, acredita que isto significa olhar fixamente. Mas isto não é contato. Contato não é ficar fixado, mas ver. Agora, estou em contato com vocês, vejo quais de vocês, vejo quais de vocês estão contra mim. Vejo uma pessoa que está indiferente, outra que escuta com algum interesse, e outra que sorri. Tudo isso modifica minhas ações: trata-se de contato, e isto me força a modificar meu jeito de agir. O padrão está sempre fixo. Neste caso, por exemplo, vou dar meu conselho final. Tenho aqui algumas notas essenciais sobre o que falar, mas a maneira como falo depende do contato. Se, por exemplo, ouço alguém sussurrando, falo mais alto e articuladamente, e isto inconscientemente, por causa do contato. 

Dessa forma, durante a representação, quando a partitura - o texto e a ação claramente definidos - já está fixada, deve-se entrar em contato com os companheiros. O companheiro se é um bom ator, sempre segue a mesma partitura de ações. Nada é deixado ao acaso, nenhum detalhe é modificado. Mas há mudanças de última hora nesse jogo de partituras, toda vez que ele representa levemente diferente e vocês devem observá-lo intimamente, ouvir e observá-lo, respondendo às suas ações imediatas. Todo o dia, ele diz, "Bom dia", com a mesma entonação, exatamente como seu vizinho diz sempre "bom dia" a vocês. Um dia, ele está de bom humor, outro cansado, outro com pressa. Sempre diz: "Bom dia", mas com uma pequena diferença de cada vez. Tem-se de perceber isso, não com a mente, mas ver e ouvir. Na verdade, vocês sempre dão a mesma resposta: "Bom dia", mas se tiverem realmente ouvido, perceberão que será um pouco diferente cada dia. A ação e a entonação são as mesmas, mas o contato é tão rápido que é impossível analisá-lo racionalmente. Isto modifica todas as relações, e é também o segredo da harmonia entre os homens. Quando um homem diz "bom dia" e outro responde, já automaticamente uma harmonia vocal entre os dois. No palco, muitas vezes detectamos uma desarmonia, porque os atores não escutam seus companheiros. O problema não é ouvir e perguntar qual é o tipo de entonação, e sim apenas escutar e responder."

* Trecho de um texto do discurso de encerramento em um seminário na Escola Dramática de Skara (Suécia). Pode ser encontrado no livro "Em busca de um teatro pobre" com o título: "O discurso de Skara".

Na foto: o ator Ryszard Cieslak e Jerzy Grotowski

Seja bem-vinda, Fernandinha!

É com muito prazer que damos as boas-vindas à nova integrante da Cia Plúmbea:

Fernanda Almeida é videomaker, antropóloga e fotógrafa. Graduada em Cinema e Mestre em Antropologia, ambos pela PUC-Rio, atua também como editora de vídeo desde 2006, tendo passado por diversas produtoras na cidade do Rio de Janeiro. De volta à cidade natal, Petrópolis-RJ, fundou a Sete Cores Filmes, especializada em vídeos de curta duração. No ano de 2014, fez ainda três trabalhos como cinegrafista e assistente de edição para a BBC mundial, especificamente para o canal BBC Real Time, além de outros trabalhos freelancer.

Fernandinha será responsável pelo registro visual da Cia e edição de vídeos. 

Seja bem-vinda! =) 

Inspirações...

"No teatro que queremos fazer, o acaso será nosso deus. Não temos medo de nenhum malogro, de nenhuma catástrofe. Se não tivéssemos fé em um milagre possível, não nos empenharíamos  nesta via cheia de imprevistos. Mas um milagre só é capaz de nos recompensar por nossos esforços e por nossa paciência. É com este milagre que contamos."

Antonin Artaud